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美术鉴赏论文资料|美术鉴赏论文达芬奇

admin 3周前 ( 12-21 16:19 ) 7 抢沙发
美术鉴赏论文资料|美术鉴赏论文达芬奇摘要: 求一篇艺术鉴赏论文2000字谢谢了,大神帮忙啊影视艺术鉴赏的表现特征摘要]影视艺术鉴赏往往从这几个方面体验:一、积淀着理性认识的感性体验。二、能动的、非单一的意蕴领悟。三、影视的风...

求一篇艺术鉴赏论文2000字谢谢了,大神帮忙啊


影视艺术鉴赏的表现特征 摘要]影视艺术鉴赏往往从这几个方面体验:一、积淀着理性认识的感性体验。二、 能动的、非单一的意蕴领悟。三、影视的风格、韵味。这三点对提高广大观众的鉴赏水 平,对影视艺术的发展繁荣都有着重要的意义。 [关键词]影视艺术鉴赏鉴赏者 影视是视听组合的综合艺术,他的一切 表现手段,诸如人物表演、影响造型、镜头运 动,画面组合、音响和音乐、光照和色彩,都 能给观众带来直接的感官信息,造成对于某 种社会生活或自然现象的“逼真幻觉”,影视 艺术鉴赏往往从这几个大的方面体验。 一、积淀着理性认识的感性体验 对于鉴赏者来说,只有善于通过鉴赏 对象的形象外壳,敏锐地把其内在的感情脉 络,与人物或作者获得心灵的契合,才有可 能成功地进入审美境界,进而领会其思想意 蕴或社会意义,任何一种真正的艺术鉴赏, 都是从鉴赏对象在鉴赏者身上所激起的某 种感情体验开始的。譬如日本电影《生死恋》 的结尾:夏子死于意外事故,悲痛欲绝的大宫 神情木然的来到网球场,呆呆地倚在看台的 栏杆上,突然“,噗!噗!噗……”的打网球声出 现了,接着,夏子那“你好,请多关照!”的甜美 话音在空无一人的球场上回荡不已,这一声 画结合的空境头在观众中产生了强烈的反 响,影评者也给予很高的评价,甚至说它是 影片中最为精彩的一笔,原因即在于人们本 来已对男主人公的真挚爱情产生了同情与 关注的心理,此时,则又进一步感受到了大 宫心中那股“天长地久有时尽,此恨绵绵无 绝期”的强烈悲痛及对于夏子的无限思恋。 二、能动的、非单一的意蕴领悟 艺术的创造,从鉴赏的角度来说,读者 与作者,观众与舞台或银幕的沟通,不应该 把它看作是一经生成就永远定性的东西,而 是多层次的,具有能动性和开放性的特点, 譬如卓别林的著名电影《大独裁者》、意大利 新现实主义的代表作《偷自行车的人》以及 美国在越南战争以后出现的《现代启示录》、 《生逢7月4日》等影片,它们在题材的选择和 开掘上,都有一种足以成为整个社会的“风 俗志”或“精神史”的视野和气势,能给观众 带来“直面惨淡的人生”和“正视淋漓的鲜 血”的认识意义和教育作用。 再如根据海明威的同名小说改编的电 影《老人与海》观看以后,为什么会感到那不 仅是桑提亚哥老人自身的一段特殊经历,而 是整个人的所谓“海明威精神”或是作者所 追求的人生真谛的哲理思索的形象体现呢? 这里面,既和影片故事中的情景气氛和人物 性格特征所能在人们心中唤起的某种具有 普通意义的人生体验有关,也和某些观众对 于海明威作品的一贯风格以及影视形象的 象征表意功能比较熟悉或爱好是分不开的, 如果缺少这些条件感受也就会大不相同。由 此可见,尽管每个电影、电视观众最后都会 对于他所观赏的故事、人物的性质、意义获 得某种感受,作出某种判断,但是,真要穿透 故事的表层情绪,准确的把握作品的深层意 蕴,获得更高一个层次的审美享受,也不是 一件人人都容易做到的事情。 三、影视的风格、韵味 从鉴赏的角度来看,风格的体察和评 定,也是整个鉴赏活动的最高层面,它不仅 需要敏锐的艺术感觉力,还要有相应的思想 洞察力和理论概括力。了解风格,先要了解 人;了解人,又要了解社会,了解历史。同时, 对于鉴赏对象的审美评价,往往也是鉴赏者 自己的胸襟和素养的折光。就拿以前几年关 于谢晋电影的讨论为例子:他的片子一般都 比较注意贴近时代生活和重视反映普遍人 的命运。特别象《天云山传奇》、《牧马人》、 《高山下的花环》等。在题材的选择和开拓上 能以鲜明的历史使命感和社会责任感审视 现实,反思历史,通过对某些重大社会矛盾 的扫描,聚焦在广大群众共同关注的思想热 点上,力图把人民的爱憎苦乐和生活的主旋 律融为一体。 风格不是一成不变的东西,无疑应随着 生活,时代以及艺术观念,艺术实践的发展 同步前进。有眼光的观赏者应能敏锐发现, 热情鼓励影视艺术家所做出的每一个新的 努力和取得的新的成就。例如赵焕章的“农 村三部曲”《喜盈门》、《牛百岁》、《咱们的退 伍兵》,在保持浓烈的乡土生活气息以及轻 喜剧的轻松幽默感伤,它们是前后一贯的; 而在情节与矛盾造成冲突的结构技巧上,却 一部有一部的变化《;喜盈门》紧紧围绕强英 的转变组织矛盾,是传统而规范的线性结 构《;牛百岁》利用多种人际关系的矛盾造成 的波澜起伏,结尾时还为田福的转变留了个 “尾巴”,明显是由线到面的开放性变化《;咱 们的退伍兵》则更为从容,洒脱,使得影片的 结构形态更加立体化,丰富了作品的情趣和 生活容量。这样的变化,既是编导者深入生 活,拓宽事业的结果,也和广大观众不断发 展着的欣赏能力审美心理相一致,因而得到 广大观众的欢迎。 因此在全社会的范围内提高广大观众 的影视文化素养和鉴赏水平,对于影视艺术 的发展,繁荣乃至整个社会的精神文明建 设,都有重要的意义。 1] 孙宜君. 影视艺术鉴赏学:一门亟待构建的新学科[J]. 现代传播 , 2002,(03) [2] 曾奕禅. 艺术鉴赏与艺术创作关系论[J]. 江西社会科学 , 1991,(02) [3] 艺术鉴赏[J]. 西部人 , 2004,(02) [4] 刘隆民, 王莉娟. 论影视艺术[J]. 贵阳金筑大学学报 , 2002,(03) [5] 宋振文. 论影视艺术的商业性[J]. 湘潭师范学院学报(社会科学版) , 1996,(04) [6] 邓也穆. 艺术和它的周边世界(下篇)[J]. 吉林艺术学院学报 , 1994,(02) [7] 顾建华. 简论艺术鉴赏的心理流程[J]. 北方工业大学学报 , 1989,(02) [8] 戴剑平. 论影视艺术的观念体系[J]. 聊城大学学报(哲学社会科学版) , 1996,(03) [9] 宋家玲. 对话录——从影视艺术说开去[J]. 当代电视 , 1987,(03) [10] 姜敏. 美感在影视艺术中的呈现[J]. 文艺研究 , 2004,(04)

希望采纳

美术鉴赏结课论文,2000字,内容与美术有关就成。


非艺术在读大学接受艺术教育的重要性

摘要:通过对时下最新美术教育新闻及专家对其问题的看法得出美术鉴赏的教育对非艺术在读大学生多方面的重要作用。包括审美教育,学生身心健康及德育方面的重要作用,以及和文化的紧密关联。正确认识专家的建议,充分认识到艺术教育及艺术创造的重要性。

关键字:艺术教育,德育,审美,艺术创造,文化

(一)时下有关新闻 新华社杭州1月23日专电(张冬素)今后,浙江省的大学生在校期间必须选修一门艺术类课程,并且要通过考核取得2个学分才能毕业。这是记者从省教育厅获悉的消息。

日前,浙江省委宣传部、省教育厅、省财政厅出台《关于进一步加强高等学校艺术教育工作的意见》,出台这一规定的目的,就是为了通过各种形式的艺术教育,以全面提高大学生的文化素质,从而更加自觉主动地推动社会主义文化大发展大繁荣。

近几年来,浙江省有关部门一直努力全面提高大学生艺术素养。2006年4月,该省启动以“走近大师、聆听经典、陶冶情操、提高素养”为主题的高雅艺术进校园活动。送进校园的高雅艺术从开始时的交响乐、京剧、越剧,扩展到去年送话剧、绍剧等,让近46万人次学生接触到传统艺术。

据了解,今后浙江省将继续以优秀经典剧目为主要演出内容,把交响乐、京剧、昆曲、越剧、绍剧、婺剧等高雅艺术送进大学校园,并在大学生中开展艺术专家学术讲座,普及高雅艺术知识。

据介绍,本次浙江省有关部门规定的高校艺术选修类课,分限定性和任意性两类,限定性选修课程包括《艺术导论》《音乐鉴赏》《美术鉴赏》《影视鉴赏》《戏剧鉴赏》《舞蹈鉴赏》《书法鉴赏》和《戏曲鉴赏》,每个学生在校学习期间,至少要选修其中1门,并通过考核取得2个学分才能毕业。浙江省要求高校要努力创造条件开齐艺术类选修课程并计入学分。

(二)专家看法 著名教育家这样谈论了自己的感受。我老是引用美国的第二轮总统亚当斯的话,他说我们这代不得不在马背上打仗搞政治,是为了让我们的儿子一代搞数学,让我的孙子一代搞音乐和舞蹈。他不是真的讲自己的孙子,自己的儿子,不完全是这样,他就觉得一个人类的目的性的过程,我们这代不得不骑在马背上搞军事搞政治,军事、政治不是人类的终极目标是过程。为了搞科学,为了搞哲学,最美好的人类还不完全是如此。在这个意义上,艺术的地位不可小看。

(三)艺术教育的重要作用 美术教学在现代教育中的现实意义和美术在艺术世界的特殊地位不容忽视的,它是人类的亲密伴侣,它和人类的生活息息相关。马克思历来就十分重视审美教育,要求不但要掌握科学,而且要懂得艺术,认为艺术不仅能帮助人们认识世界,而且能鼓舞人们改造世界,去创造美好生活,他曾说过,社会进步就是人类对美的追求的结晶。美术作为一种视觉艺术有其独特的魅力,而美术教育更是一门教育的艺术,在当今素质教育中起着不可低估的作用,对于培养德、智、体、美、劳全面发展的一代新人具有重要意义。

1美术教学的德育作用 五育之中“德育”首位,美术教育融“德育”于一体,美术教学通过描绘祖国的大好河山,欣常优秀的美术作品,使人精神振奋与之共鸣,从而产生强烈的教育效果,例如欣赏董希文的油画作品《开国大典》可感受到作者通过构图、色彩、形式表现出了中国人民从此站起来的信心和气魄,自觉产生强烈的自尊心和自豪感激发高涨的爱国热情。欣赏白石老人的国画作品《却教蜂蝶为花忙》透过蜜蜂在凤仙花中飞舞采蜜的忙碌的情景,颂扬了勤奋劳动的精神,歌颂了普通劳动者的勤劳品质,让同学们不仅体会了生活小景中的高雅景致,也激发了学生对劳动的热爱和敬慕。

2艺术教育的美育作用 审美教育对人们的潜移默化的影响,历来被许多人士所认可。我国早在西周和春秋时期,在教育内容上就有德、行、艺的内容,实际上包含了德、智、体、美几方面的内容。封建社会晚期,艺术虽未被列为必修课,但“琴、棋、书、画”却一直作为士大夫阶层文化素养方面自我完善的内容之一,我国著名的艺术教育家丰子恺先生曾这样说过:“能用作画一般的心来处理生活,对付人生则生活美化,人世和平。”此为艺术的最大效用,法国雕塑家罗丹说过,生活中不是缺少美,而是缺少发现美的眼睛。美的事物在生活中处处可见,但并不是每个人都能感受到和欣赏的。只有通学习、培养、训练才能使人的审美意识不断提高。

3素质方面的作用 (1)有助于发展人的全面思维一个人必须把逻辑思维与形象思维、科学思维与艺术思维有机地结合起来,才能形成高质量、高素质的健全的思维。小时候有想象力,思维得到了健全的发展,以后才能有更好的创作。玩沙子、捏泥人、看蚂蚁搬家,对孩子来讲都是十分重要的,是一个人在成长过程中的必要的营养素。离开了这些,没有童心,没有童趣,缺乏想象力,就很难培养出健全的人格。(2)有助于培养学生健康、丰富的感情世界 教育不能够离开感情,在教育过程中,教育者和被教育者之间必须以感情作为桥梁,作为纽带,才能产生教育的效果。教育离不开感情,感情最能教育人,最能打动人,最能收到良好的效果。艺术教育的特点不仅仅是以理服人,更重要的是以情动人、以情感人。

(四) 与文化的重要关联 艺术课程关注文化,其实并不是现在的事情,因为艺术课程始终就没有脱离文化,也不可能脱离文化。区别在于,过去的艺术教育与文化之间并没有形成一个明确的关系意识,也没有如此理直气壮地高呼着走向文化的口号。现在的则以自觉的态度,高唱着走向文化的进行曲,态度张扬地浩浩荡荡地走进了文化。

且让我们倾听那震耳欲聋走向文化的进行曲:

“艺术是人类文化最早和最重要的载体之一,运用艺术形式传递情感和思想是整个人类历史中的一种重要的文化行为。……通过对 艺术课程的学习,有助于学生熟悉艺术的媒材和形式,理解和运用视觉语言,更多地介入信息交流,共享人类社会的文化资源,积极参与文化的传承,并对文化的发展作出自己的贡献。”

“艺术是人类文化的一个重要组成部分,与社会生活的方方面面有着千丝万缕的联系,因此艺术学习应视为一种文化学习。应通过艺术教育,使学生认识人的情感、态度、价值观的差异性,人类社会的丰富性,并在一种广泛的文化情境中,认识艺术的特征、艺术表现的多样性以及艺术对社会生活的独特贡献。同时,培养学生对祖国优秀美术传统的热爱,对世界多元文化的宽容和尊重。”

“我国的艺术有着悠久的历史和辉煌的成就,与其它国家和民族的艺术共同构成世界艺术的多元文化。艺术是人类文化的重要组成部分,具有人文教育的功能

推荐书籍:《美术鉴赏》陈洛家主编;《美术鉴赏:造型艺术美学分析》作者樊林;

《中国民间美术鉴赏》孙建君主编;《中外美术鉴赏》朱旗;戴云亮主编:《中外美术鉴赏十六讲》杨淇主编;

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关于中外美术院校之美术教育的现状分析

◎周浩然黄婵

(四川师范大学四川·成都610101)

摘要中外当代美术高等教育在专业设置、课程安排、学校与社会、社会与艺术本质的关系等方面的探索和研究具有自

己鲜明的特点。文章通过比较中外美术高等教育的现状, 尤其是俄罗斯美术教育,对我国美术高等教学进了改革的设想,

期望能给予我国美术高等教学改革提供一些借鉴和参考。

关键词中外美术高等教育改革

文章编号1671-0703(2010)10-198-03

由于我国“美术学院”作为我国现代专门的艺术教育机

构,无论是从其名称还是其制度来看,都属于西方的“舶来

品”。自上世纪50 年代以来,我国的美术教育长期受苏联契

斯恰科夫体系影响,虽然在美术改革期间,我国美术高等教

育为了适应时代和社会的需要,进行了相关的改革,但是大

部分高等美术院校的美术教学在课程设置、教学目标、教学

内容和方式等方面仍因循守旧, 学生依然在进行所谓的技

术、技巧方面训练,很少地从艺术本质上进行探索和研究。

本来服务于人民,服务于生活的艺术成了少数人的“技巧”,

这种趋势不容乐观。本文通过对中外最著名的一些美术院

校的研究,试图通过中外美术高等教育现状的比较、分析,

为我国美术高等教学改革提供一些借鉴和参考。

一、我国美术高等教育现状

我国的美术院校从八大美院到综合性大学的美术学院

或者美术系,美术课程的设置大同小异,除了必修的政治理

论以及外语等,在专业课上主要开设艺术史论、美术学、各种

设计专业,包括计算机多媒体的应用等课程。如上所述,技

法、技巧的训练以及计算机的运用依然是美术教学的主要内

容。在时间安排上,前一到两个学年主要是基础课,以素描、

色彩为主,同时开设国画、油画、设计辅修,目的是学习巩固

一些基础知识。后两个学年进入专业课程学习,一般分为美

术学、设计、史论三个专业方向,学生根据自己的爱好和专业

能力自主选择。

创作课几乎没有作系统、整体地安排,大多数学院只是

在一个相对集中的时间段里进行毕业创作,在日常教学活动

中对于创作少之甚少。当然比较可观的是创作形式现在相

对比较自由。古典、现代、抽象、具象乃至装饰画、多媒体可

以全面地运用。优点是相比以前丰富了形式,但是缺点依然

存在:对于审美规范、审美的标准莫衷一是。

对于中国传统的、民间的艺术几乎在学院难以推广,这

是中国美术教育的一大憾事,学院派排斥民间艺术,已成为

不争的事实。

虽然艺术史论等课程普遍开设, 但由于师资力量的匮

乏、开设时间过短,教学模式的僵化等原因,一般每门课程只

开一个学期,每周一到两节,学生囫囵吞枣,浅尝辄止,仅仅

记住一些艺术家和作品的名字,对艺术品的美学内涵和文化

脉络缺乏明确了解和整体把握,不能深刻领会作品所传达的

艺术精神,甚至只是简简单单地应付考试,所以面对艺术以

及艺术作品常常感到茫然,言之无物甚至不少学生感觉到自

己只能机械地做选择题。加之学生亲临美术馆、艺术博物馆

的机会非常少,学生很少有机会看到艺术品原作。同时学生

外出写生、实践的机会非常少,缺乏文化内涵、缺失艺术标准、

匮乏源于生活的元素是高等美术教育所面临的主要问题。

最后,所谓的到实践中去,也成了一种简单的形式。本

应该是艺术教育的一个重要环节,有的照本宣科,有的敷衍

了事,甚至有的直接弄虚作假,从而实习失去了实践的真正

意义。虽然有关部门意识到了这点,集中安排学生实习,但

由于实践基地匮乏,实习学生过多,部分学校老师的片面追

求完成任务,最终也没有取得好的成效,这是一个亟待解决

的问题。

二、俄罗斯美术高等教育现状

俄罗斯圣彼得堡列宾国立美术学院是俄罗斯最好的美

术学院,它们的美术系代表了俄罗斯美术的最高水平。美术

学院最主要的教学任务是:从事严格的美术专业教学活动和

培养俄罗斯一流的美术家。主要有绘画系、建筑系、雕塑系、

版画系和美术理论系。主要开设素描、色彩、装饰艺术、金属

工艺、陶艺、雕塑、造型艺术教学法、电脑绘画、俄罗斯美术史、

外国美术史、俄罗斯历史、哲学等课程。

在教学安排上,素描和色彩教学(主要指油画)是最主要

的学习任务。从大一到毕业都有。一般是早上9 点至11 点

进行素描教学,在短暂的午饭时间后,接着进行色彩方面的

教学,下午3 点至5 点又是再次素描教学。素描教学活动主

教育广角

2 0 1 0 年第10期安徽文学199

要在室内进行,因为在圣彼得堡漫长的冬季使得他们不得不

选择室内教学。解剖课的要求非常严格,经常安排在一张纸

上画同一个人头部的正面、侧面和3/4 面,或者在一张头像边

上画骨骼和肌肉。学校有一个专门的解剖教室,陈列着人体

骨骼的各个部分以及一部分动物骨骼,学生可以随时来此写

生,有专门的教师指导,素描作业一般都用索斯、歇比亚、桑

基那做底子,做成各种深度的灰调子,人像与环境融为一体,

空间感极强,这也是为了与油画课程进行很好的衔接。而在

绘画材料上也非常广泛:从炭笔、木炭条、炭精棒到俄罗斯特

有的索斯、歇比亚、桑基那,包括色粉笔、蜡笔等。美术教学

对构图课极为重视,构图要符合美的规范,反复权衡修改以

求获得最佳效果。创作课从大一开始设置,方式是课上辅导、

课下画构图、期末总评,手法要求用现实主义方法,题材范围

是现实生活、个人生存体验、普希金诗歌、卫国战争、俄罗斯

历史与宗教,绝对不允许进行现代艺术以及一些“非艺术的

艺术”尝试。

教学大纲是高等美术教学的“

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最高准则”,教学中出现偏

差,马上就由教学大纲来纠正,学生学习也有矩可循,老老实

实按教学大纲学就是了,可叹的是这种大纲几十年不变。这

也和俄罗斯这个民族的传统息息相关。

学校注重对学生动手能力的培养,美术系设有工业造型、

陶艺、雕塑、木工等实习车间,从图纸设计到制作完成都一丝

不苟,从中可以看出俄罗斯学生严谨、扎实的学风,这种对学

生严肃认真作风的培养不仅仅是为了制作一两件作品,更是

为了让学生形成优良的工作品质与生活品质。

其中,他们对中国这种绝大部分的室内教学也曾提过建

议,因为中国绝大部分地区都有充足的阳光照射,而不同于

俄罗斯。所以他们建议我们国家的美术院校学生,应该把素

描、色彩教学更多的集中于室外,感知大自然最纯真的艺术。

每年6 月,是毕业生的答辩时间,学生作品分成两部分:

一是自己的毕业创作;二是在教学实习中收集的中小学生完

成的作业。这是对创作能力和教学能力两方面进行评估。

列宾美院还和各地美术院校进行交流,互派学生,反馈

毕业生的工作情况,不断对自己的教学计划进行改进和调整。

三、意大利佛罗伦萨国立美术学院

佛罗伦萨国立美术学院为世界美术最高学府,始创于

1339 年,是世界第一所美术学院,开创世界美术教育先河,

1562 年正式建立。他们在学院门类较多,有艺术视觉学院、

应用美术与设计学院、交流与教育学院、裸体学校。

意大利佛罗伦萨国立美术学院上课是丰富多样的。学

院安排的课程宛如宴席,学校会统计学生的“消费”,如果达

到学校的标准,就准予考试和毕业。学校平时上课时间很多,

艺术形式已经不局限于传统,当代的各种艺术形式都有表达

和涉及。学校会安排很多活动、画展开幕、电影会、讲座,等

等。作为一个学生,必须除去上课之外还得参加各种艺术活

动。在各个场所里,这些场所里面有学校的签名单,签名表

明学生参加了,然后一块汇总到学院或老师,然后老师和学

院再评估学生吸收的养分够不够,作为依据评判、考核学生。

表达形式也是各种各样,有动画设计、行为艺术、灯光、理念。

在这里一切都是开放的,当然日常的固定上课也是必须的,

不过课程会分布在佛罗伦萨各个地点,如博物馆、当代艺术

馆、画廊等等。

在考试上,每次考试大概有3 名以上的教授在场,然后

出示作品、问答、表达观念,教授再讨论、评估、给分。主要考

察各个方面,如学生参加课程以及活动次数的多少,学生艺

术作品的层次,对艺术作品理解的观念等。另外,学院的老

师也非常严谨,对学生的要求非常严格,让学生很难“走后

门”,蒙混过关。

四、法国巴黎国立高等美术学院

国立高等美术学院是法国在美术界最知名的学校,培养

了大批优秀的艺术家。该校除了美术、油画之外,还开设有

雕塑、计算机图像与录影图像等专业,学制5 年,学生毕业时

可以获得DNSEP,国家承认大学四年级文凭(homologu

bac+4)。学校里传授传统和现代艺术的技巧与理念,目的是

培养高水平、多能力的艺术家。学校有1/3 的学生是外国学

生,这使得各国的艺术得以充分交流,并积极地影响着学生

的艺术水平。

学生在画室中工作,每个学生都有专门的教授指导。学

生在素描、油画和多媒体3 个方向中选择1 个或多个专业。

第一年学生要完成4 个学分,其中一个由教授指定,两个是

绘画技术,另一个是艺术理论。学生在5 年内要修完12 个

学分才能毕业,其中包括1 篇论文和答辩。

同时学校招生非常严格,700 名考生中只有150 人被录

取。要求上一年级的学生年龄在18~24 岁之间。首先要提

交自己的作品集,作品应在20 份左右,其中至少10 份为原

作。在通过对作品的选拔后,学生还要经过3 个考试:实物

素描、对一件作品的文字描述与评论、面试。学校接收资格

入学,如果考生不到26 岁而且已经完成了大学二年级的学

业,那么可以向招生委员会提交自己的作品集,学校根据学

生作品的水平在二年级、三年级、四年级中选择一个适合的

年级。

五、英国皇家美术学院

英国皇家美术学院,自从1768 年成立以来迄今已有237

年,与意大利佛罗伦萨美术学院,法国巴黎美术学院,俄罗斯

列宾美院并称世界最杰出的四大美术学院。

皇家美术学院表示有意申请的国内外学生必须具备绘

教育广角

2 0 1 0 年第10期安徽文学200

画、雕刻、数码印刷或摄影专业的学士学位。该校是英国提

供这些领域三年进修课程唯一的艺术学院。有数据表明目

前该校仅有一名华人学生就读。进入的难度可想而知。

这所学校所开设专业几乎涵盖了所有美术以及相关门

类。他们追求在于不同寻常地表现在它的艺术并置在一个

特定的设计环境和设计在艺术环境。艺术和设计的原则,是

对知识的进步,他们的关注到工业和商业的具体流程并认为

知识可以产生信念。他们的学生通过分析和问题回答获得

奖学金。在学校里,他们不断试验和艺术品和设计创新例子,

注重发展的基础项目的研究,鼓励跨学科学习,以促进了快

速增长的研究实效。以上是该学校的总体理念。

学校的师资要求也很高,绝大多数全职教师,在大学里

首先是专业艺术家和设计师。正是这种高要求,在他们学

校,作为艺术和设计工作的专业人士认为,只有不断拥抱和

不断发展的新思路,才能够将他们的学术工作向前推进。学

校每年提供各种讲座,研讨会,大师班,以及个别辅导。他们

包括前著名艺术家,设计师,来自在国际舞台的全国知识分

子和商界人士会来到大学,因为他们喜欢分享他们的知识和

经验。他们认为学生会从中找到灵感,并受益匪浅。

这所学校正是采用这种高强度,同时也是高度自由的学

习、教学模式。使得他们学制成为世界上最短的。

六、我国美术高等教育的教学改革设想

了解中外美术高等教育现状,旨在为我国美术高等教育

改革提供一些参考意见,推进我国美术高等教育。针对我国

当前美术高等教学存在的问题,作者认为可以进行以下几方

面的改革:

1、文学修养的培养。对于艺术史、文化史,尤其是中国

艺术史、中国文化史的学习,应该引起足够的重视。应该让

学生对人类各种视觉艺术语言有一个全面的了解,不仅仅停

留在“知晓”这个表面层次上,而是深入了解它的社会背景,

分析它的艺术时代语言、造型特点,分析画家的思想,为什么

要这样创作,懂得这些造型语言在表达现代人的精神感受上

的潜在价值。应该鼓励学生提高自己的综合知识修养,经常

阅读文学作品和哲学著作,理解并欣赏音乐、舞蹈、戏剧等各

种艺术。

2、关于绘画题材、内容,我们更应该关注画面所应达到

的精神高度,人类艺术从诞生发展到现在,风格手法层出不

穷,发生了巨大的变化,但根本的东西没变,那就是质朴、大

方、纯正的品格,这种品格在不同的时代通过不同的形式得

以体现,每一种形式都烙刻着深深的时代印迹。无论是造型

艺术还是非造型艺术,这是一个真理性的共性。

3、美术基础教育的过程应该是把视觉艺术史上的一切

经验和创造全部介绍给学生,让学生看到造型艺术的多元性。

应试教育下的考试制度,使学生过早地甚至一味地陷入单一

化、重复化的教学模式中,他们虽然具备一定的造型能力,但

通常是闭门造车,形成一种人为的封闭环境。写实造型训练

依然是今日艺术院校美术基础教育的最主要内容,这种严格

的规范性教学是必要的,通过写实的训练,培养学生把握控

制造型语言的能力也是至关重要的。我们不能厚古薄今,但

也不能反之。我们应该用更宽泛的眼光审视造型的基础教

学,把注意力从准确地再现转移到现代造型语言的认识和掌

握上去。对于诸如素描、色彩、速写等,我们除了关注其本身

的语言外,更应该注重其精神表达。这些应该不只是是在大

学低年级反复强化训练的东西。基本功训练不仅仅是能够

准确地再现物象,还应包括结构画面、结构色彩、经营材料的

能力,这是当代美术工作者必备的基本能力。比如,作为油

画专业的学生,坦培拉技法、古典油画技法、直接画法等专业

语言更是必须了解和掌握的。自由开放的造型训练,使学生

在技能训练中逐步摸索适合个人精神表达的语言手段,把学

生潜在的艺术想象力诱发出来。又如雕塑、建筑等,我们除

了掌握最基本的手法、技巧外,应该鼓励学生走出去,学习国

内外好的范本,去粗取精,而不是一味地走“样式主义”路线,

同时也不是盲目的创新。应该体现民族自身的文化底蕴和

内涵。正是所谓“越是民族的,越是世界的”。总的说来,作

为美术专业大学生应该掌握以下三种能力:(1)一般具象造型

能力,这是指有价值的具象——真正能反映生活的,有价值

的特性。(2)对造型中的抽象规律的掌握,严谨、准确地抽出

最基本的绘画语言规律。(3)认识当艺术世界的能力,通过学

习艺术史了解艺术家如何认识他所处时代的社会生活,又是

怎样表现那个时代的生活的,并把这种规律运用到认识当代

生活中去。(4)积极主动地学习文化知识,将文化和艺术高

度统一。

4、应把传统民间艺术列入必修课程并提高学生的动手

能力,增强学生的劳动生产技能和社会适应能力。

5、加强教学实习基地建设。使美术高等院校与各种艺

术单位形成良好的互动关系,及时了解中社会的艺术需求,

相应调整学习的教学思路和方向。

6、提升师资队伍自身的素质,只有老师有了深厚的文化

积淀和熟练的美术技能,才能将其所学传道授业。只是非常

重要的一点。

参考文献:

[1]邢莉.自觉与规范.中国人民大学出版社,2004.

[2]李平.俄罗斯学院派素描技法.江西美术出版社,2008.

[3]孙韬,叶南.涅瓦回望.人民美术出版社,2000.

[4]常锐伦,唐斌.美术学科教育学.人民美术出版社,2007.

[5]http://www.rca.ac.uk/.

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列宾油画《伏尔加河上的纤夫》赏析

众所周知,美术的鉴赏是运用感知、记忆、经验、知识,对美术作品进行感受、体验、分析、判断而获得审美享受和美术知识的过程。本学期,我选择了“世界美术赏析”这门艺术学科进行了选修。原因其实很简单,我自小非常喜欢美术方面的东西,对这些看似神秘的艺术形态十分好奇,很想从这课程当中得到一些艺术的知识与熏陶。通过选修这门课程,我逐步了解了许多关于绘画的知识。学下来收获很大,我逐渐可以感受到了文艺复兴意大利艺坛三杰之一的拉斐尔那作品散发出一种令人愉快的笃定,那种归属感;意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家和建筑师,文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表米开朗基罗.博那罗蒂在他的作品中的寓意;了解了被可视为法兰德斯巴洛克风的具体象征的鲁本斯的作品;当然还有现在被我认为是世界上最美的油画之一的伦勃朗的“泰特斯”等等这些经典的西方美术艺术。通过不断的美术鉴赏活动,可以提高人的审美趣味、陶冶高尚情操,通过美术鉴赏,提高我的艺术品味,吸收前人优秀技法,在中国传统美术教育中是一种重要的方法。而且在我看来从实际情况作为起点,由于经济生活的变化,各种思潮的影响,社会活动空间的扩大,学生产生了一些需要重视和解决的问题。“高分低能 ”是一种表现。学生有较多的知识和专业文化,并不一定代表他具有其他方面的素质和修养。所以要呼吁素质教育。素质教育是一个系统,而艺术教育恰恰则是素质教育的一个有效手段和一个不可或缺的方面。艺术教育不是培养专业的艺术家,不是单纯地训练吹笛子、弹钢琴、画画、书法和跳舞的技术,它是要通过这种技能、知识和修养,提高审美境界,从而促进德、智、体、美、劳、生的全面发展,成为心中具有崇高理想和大目标的建设社会主义现代化的一代新人。所以要适当的培养自身的艺术修养。这也是我选择这一课程的原因之一。在为时一学期的课程即将结束时,我经过查阅资料将结合俄国伟大现实主义画家列宾的作品《伏尔加河上的纤夫》,按照一般鉴赏的程序对其进行简单的艺术鉴赏:

作品:《伏尔加河上的纤夫》

作者:列宾

列宾(1844---1930)是十九世纪后期俄罗斯最伟大的艺术巨匠。这幅作品描绘的是伏尔加河上纤夫拉纤的情景。这幅作品创作于1873年,花了三年的功夫才完成。现收藏在彼得堡俄罗斯美术馆内。

1、作品画面介绍:

《伏尔加河上的纤夫》是列宾的代表作也是他的成名作。在这幅画的构图上,列宾利用了沙滩的地形和河湾的转折,使十一个纤夫犹如一组雕像,被塑造在一座黄色的、高起的底座上,使这幅画具有宏伟深远的张力,画中的背景运用的颜色昏暗迷蒙,空间空旷奇特,给人以惆怅、孤独、无助之感,切实深入到纤夫的心灵深处,亦是画家心境的真实写照,这对画旨的体现,情感的的烘托起了极大的作用。在画面上画家又对伏尔加河的景色进行了巧妙的布局,以狭长的横幅展现这群纤夫的行列。伏尔加河畔阳光酷烈,沙滩荒芜、近景只有埋在沙里的几只破筐作点缀。景色十分凄寂。一队穿着破烂的纤夫在拉着货船,步于是那样地沉重,似乎可以听到压抑低沉的“伏尔加船夫曲”的回声。因此本画的构图、线条、笔力等绘画技巧都是相当成功的。

被烈日炙烤的焦黄的河岸上,一队蓬首垢面、衣衫褴褛的纤夫拖着沉重的脚步拉着货船,在酷日下精疲力竭的向前挣扎。他们中有老有少,个个都衣着破烂、面容憔悴。领头的是一位胡须斑白的老者,眼睛深陷,坚毅的面孔透出饱经风霜的智慧,但愁苦的表情仍然显示了他对于艰苦生活的无奈。

走在最后的纤夫低着头垂着手,麻木地随着队伍向前挪动,似乎已经习惯了这样日日苦役般的生活。队伍中还有一个较为突出的形象,是处在队伍中部的一位少年,可以看出他才开始这样的工作不久,皱着眉头还不太习惯,他直起腰想用手松一松肩头紧勒的纤绳,毕竟年轻,还不甘心忍受这样的苦楚。其余的纤夫都弯着腰低着头,似乎已没有多余的力气再来表现点什么,在他们身上剩下的,惟有贫苦、艰难与无奈。在这幅反映纤夫苦难生活的画里,与其说是人与自然在搏斗,不如说是人在与残酷无情的黑暗命运和社会搏斗。

画中的纤夫共有11个人,约略分成三组。每一个形象都被列宾仔细推敲过,画过人物写生。他们的年龄、经历、性格、体力以及他们的精神气质各不相同。画家把这些性格作了高度的典型化,又都统一在主题之中。现据画家本人的记述,分别来详细介绍这里的每一个人物的情况:

最前一组共四人,领头的名叫冈宁,他的表情温顺,然而性格坚韧,具有一种内在的意志力,此人约有四五十岁。他那双深陷的眼睛使他的前额更加突出,显出了他的智慧。列宾在他的头上添画上一块包头的破布,似乎要把他塑成古希腊哲学家的样子。他原是个神父,后来被教会革职,一度充任过教堂唱诗队的指挥。他身体结实,两手下垂。胸前那一条纤索绷得很紧,而身上的麻布衫却满是补钉。这是一个俄罗斯农民长者或智者的典型,他忍受着肉体与精神的痛苦,是这些纤夫形象中的悲剧性主角。在他右边的一个是身材魁梧的憨直的农民汉子,他赤着脚,头发蓬乱,满脸浓密的胡子,似乎在低低地向冈宁絮叨着什么。这个形象起着衬托冈宁的前倾的身子的作用。在他后面是一个细长的瘦子,年近40,身子大部分被挡住了。他头戴麦秆帽,叼着一只土烟斗,头显得尖小一些。他挺直着身子,这样可使纤索松弛,好像是想省点力气。这个瘦子的左侧,则是一个躬背弯腰的纤夫,他原来是个水手,叫伊卡尔。他的两手向下握拢,神色严厉,眼神凝注,直对着前方。显然,他的脾气一定很倔强,是个农村硬汉于。汗水已把他的上衣腐蚀得百孔干疮,结实的肩膀正从破洞处显露出来。

中间一组也是四个人:穿一身粉红色破衫裤的少年名叫拉里卡。看来这个少年是初加入这支行列,他那还未晒黑的皮肤,紧蹙的眉头告诉观者,这种劳动对他来说是负荷过重了。他正用于在调节压在自己肩头那根据痛了皮肤的纤索。画家在这个新的受压迫者身上似乎要找到一种希望,那就是不甘心受剥削,要反抗。令人注目的是,在这个少年颈上还挂着一只十字架,这是父母给孩子的信物,祈求上帝能保佑他路上平安。列宾为画这个少年纤夫,曾从他熟悉的孩童形象中挑选了一个作模特儿。少年拉纤这种现象,也如资本家利用童工榨取劳力一样残酷,这是沙皇俄国的农奴制度的罪恶,也是画家所要抨击的主要目标。紧靠在拉里卡后面的,是一个受尽风霜之苦的秃顶老汉,他皮肤助黑,脸色阴沉,一边斜倚在纤索上,一边在打开自己的烟袋,想偷闲抽口烟来缓解一下自己的苦闷。他和前面的少年,在色彩上构成了强烈对比。两代人,不同的命运,却系在一根绳索上。 少年右边是个羸弱有病的纤夫,他步履艰难,全身虚弱,正在用袖口棕汗。头发露在无檐帽的外边,颧骨耸起,泪囊水肿,他未来的路程意味着更大的厄运,我们似乎可以听到他那急促的喘息。在拉里卡与老汉之间,露出了另一个纤夫的脑袋顶,此人的脸庞发黑,鼻孔朝外,嘴唇很厚,看样子是个鞑靼人。

最后一组三人,走在前面的是个退役军人,白色的衬衫外面加了一件坎肩,帽子压得很低;背后一个皮肤黝黑,巡回展览画派评论家斯塔索夫说他是个流浪的希腊人。最后一个人只见到了他的低垂的头顶,此人似乎走得更加吃力,他正在往一个小坡上移动。全画以淡绿、淡紫、暗棕等色调来描绘上半部的空白,使这条伏尔加河流显得更为惨淡了。这是为了加强人物的悲剧性,烘托干燥炎热的天气 (列宾在冈宁和伊卡尔两个人物身上曾作过一些改动,尤以伊卡尔缠着白布的头改动得最多)。

2、作品给读者的感觉?

当我第一次面对俄罗斯画家列宾的《伏尔加河上的纤夫》,首先感知的是蓝蓝的天、辽阔的伏尔加河,十几个姿态各异的纤夫和他们艰难地拉着的船舶。但仔细体验画面中所产生的劳动者的力量却在视觉上似乎受到一种猛烈的撞击,产生一种说不清的瞬间直觉的审美愉悦。一般而言,感觉都是带有一定的复杂性和微妙性,感觉的最好的接受方法是体验,语言则往往难以传达某种感觉。因此,人们即使产生了某种感觉,也往往难以用适当的语言表达出来,对智力成熟、语言丰富的成年人来说即为如此。但是,感觉不管再微妙,总还存在大的趋向性,那么,具体联系到《伏尔加河上的纤夫》,它给人的感觉应该是压抑、悲怆和深沉。

画家列宾的这幅著名油画,是他经过十多年的构思、绘制和修改才完成的。这幅油画在反映列宾的思想感情方面很有代表性。通过仔细观察画面,我看出画家的思想感情渗透在每一笔、每个人物身上,也渗透在画面的色彩和景物的布局上。所以,只要我们细致观察,从画的整体上认真地体会,就会体会出画家所要表现的思想感情,即对沙俄反动统治的不满和对劳动人民的深切同情。画的是人物群像,从画中人物的不同衣着、外貌、动作以及神态,我们可以深刻领会人物的内心情感。这幅油画是列宾到伏尔加河旅行时,仔细观察了纤夫的生活,经过反复的思索和修改才完成的。作者在描述这幅油画时,他的观察是从前到后依次进行的,描述时抓住了人物的衣着、外貌、神态的特点,并展开了适当的想象,把人物的外貌特点和他们的身份、地位、个性结合起来,使每个人物都有了鲜明的个性。11名纤夫,作者着重描写了4个,从年龄上说,有老年、中年、青年和少年,从职业上说,有破产的农民,有从事拉纤的工人,有退伍的士兵,他们代表着社会的各个方面,都承受着沙俄时代反动统治者的统治和压迫

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中世纪的哥特式

内容摘要:

哥特式建筑是哥特式艺术的显著方面,成功地将基督教的精神与建筑结构技术的探索结合起来,在建筑高度、垂直空间和框架结构的强度等方面都达到了一个新的高度,构成了世界史上辉煌的篇章。

关键词:哥特式艺术——建筑

对于大多数人来说,“哥特式”一词大概还是相当陌生的,但若提起巴黎圣母院,恐怕就很少有人回摇头了。根据法国著名作家雨果的同名小说《巴黎圣母院》改编的电影,令那座美伦美奂的大教堂的形象在人们心中深深扎下根,巴黎圣母院建于12世纪后半叶,它所代表的建设样式在艺术史上被称为“哥特式”。

每一个伟大的文明都有代表自己最高文明成就的造型艺术纪念碑。作为“信仰的时代”,中世纪亦有自己的纪念碑,那就是哥特式教堂。然而,“哥特式”一词最初却是作为一个贬义词出现的。瞻望“罗马昔日之壮观”,以古典文化当然的继承者而自居的文艺复兴时期意大利学者,在用“哥特式”一词描述中世纪晚期盛行与阿尔卑斯山以北的建树式样时,事实上将其用做了粗鲁与怪诞的同义词。需要说明的是,意大利人所谓的“哥特式”建树与历史上的哥特人并无直接联系。今天,人们对哥特式艺术的成就已作出了全面而公正的评价;与此同时,作为一个约定俗成的风格术语,“哥特式”一词已不带有任何褒贬色彩了。

哥特式艺术是中世纪的基督教文明臻于成熟之际在视觉艺术领域接触的硕果,它亲历了中世纪的巅峰期与衰退期,并直接孕育了文艺复兴艺术。基督教仪式传统最高成就的代表便士哥特式艺术。

哥特式风格涉及中世纪晚期几乎所有的造型艺术品类,除了所谓纯艺术领域的建筑、纪念性雕塑和壁画、木版画之类传统意义上的绘画,还包括镶嵌彩窗工艺雕塑、书籍装帧和织毯设计等。尽管建筑、雕塑与绘画领域中的哥特式风格均曾在特定的时期内形成或接近于形成当时西方世界的国际样式,但在艺术史的时空构架里,我们看到,哥特式风格在不同地域内发展与演进是极不平衡的。一方面,哥特式时代,站在造型艺术领域风格变革最前沿的,先是建筑,尔后是雕塑,最后是绘画。1150年至1250年是西方中世纪艺术史上的“大教堂建筑时代”。综观整个哥特式艺术史,造型艺术的美学追求从建筑性逐渐转向了绘画性。另一方面,具体到建筑、雕塑和绘画各自领域里的哥特式风格,这样一个现象是十分引人注目的:哥特样式的国际性传播与地方性演化并行不悖。总而言之,我们在研究哥特式艺术史的时候,必须同时考察时间与空间的维度。因为就哥特式风格而言,任何意义上的单一发展进程都是不存在的。

哥特式艺术的主要成就就在于建筑。哥特式建筑是在罗马式建筑的基础上发展起来的。所不同的是,哥特式教堂是建在有城墙保护的城市中,它已不再具有罗马式建筑那样的城堡式功能,而需要更宽阔、更高、更明亮的内部空间。哥特式建筑师在结构技术上的革新解决了这个问题,使教堂在高度、内部空间和采光等方面有了新的突破。哥特式建筑师最重要的兴奋点在于尽力寻求高度上的发展。1194年,沙特尔大教堂在火灾之后进行了重建。新建的中殿没有了楼廊,低狭的暗楼挤在又高又瘦的高侧窗和底层连拱廊不再采用圆柱,垂直附柱一贯到底,将地面与拱顶连在一起,一簇簇肋架卷从集束柱顶端散射开来,整个构造就像从土地中长出来的一样。法国学者把哥特式教堂比做“建造起来的森林”,原是不错的。这里几乎没有墙面。结构框架裸露在外,密集的垂直线排向中殿深处,筋骨嶙峋的教堂内部给人一种十分峻峭清冷的印象。从身边的柱基到头上的拱顶,再到对侧的柱基,人们的视线在循着石头的线条流转的过程中不会碰到任何障碍。这线条一方面发挥着明确建筑物构筑关系的作用,另一方面又充当了教堂“天然”的装饰。应该说,在沙特尔大教堂的内部,结构要素与装饰要素是二位一体的。随着沙特尔大教堂的重建,哥特式建筑样式迈进了一个新的发展阶段:盛期哥特式登上了建筑史的舞台。沙特尔大教堂上述设计在兰斯大教堂和亚眠大教堂的重建中得到了进一步的改进与发挥。兰斯大教堂的建筑师认识到了窗子在新设计中的特殊重要性,他们在建筑史上首次采用了条格式窗花格。这是窗子内精致的石制分隔物,随着时间时间的推移,哥特式建筑中的窗花格将获得惊人的复杂性。事实上可以说它是一个特例,因为我们在建筑史上找不到它设计上的同道或继承者。当然,这并不说明它不是一件杰作,只是它所给出的方案未曾流行而已。

哥特式建筑样式诞生之后,并没有立即扩展到法国境外,至少,它没有导致罗马式风格的骤然终止,甚至在法国境内亦是如此(法国南部在12世纪下半叶还发展了罗马式的普罗旺斯学派)。应归入罗马式的建筑采用了某些哥特式装饰构件,这样的情况比比皆是。英格兰是最早接纳哥特式样式的国家。在这个岛上,罗马式建筑的兴建在整个12世纪从未间断。第一个纯粹的哥特式建筑作品是坎特伯雷大教堂的唱诗席。它是在1174年的火灾之后由法国建筑师桑斯的威廉和他的继任者英格兰人威廉负责重建的。该建筑在设计上自然不免有迁就当时的英国趣味之处,高侧窗通道便是一例,大量使用墨色的附柱与小圆柱则为后来的英国哥特式建筑树立了一种时尚。在林肯大教堂和索尔兹伯里大教堂中我们看到,黑色的附柱与小圆柱同用灰白色石灰石修造的大教堂其他部分之间对比。那个时代的英国人似乎对线形装饰格外敏感,他们总是在拱卷上、连拱廊内及墩柱上使用大量符合线脚,还特别偏爱成簇的附柱。后来他们又发展了拱顶的外观形式——利用非功能性的枝肋在拱顶上“结”成各式复杂的图样,以制造华丽丰富的装饰效果——当然,这一发展是在哥特式建筑史的晚期实现的。

13世纪下半期,法国的哥特式建筑在大圆花窗中采用了杆状窗花格组成辐射状的条状。建筑的墙壁变得很薄,几乎完全由玻璃窗组成,仅有细长的小圆柱隔开建筑物装有玻璃的面,哥特式建筑变得越来越像一具石头的骨架结构了。受辐射式风格的启发,英国建筑师发展了晚期哥特式风格具有高度创造性地变体——所谓的垂直式风格。该风格起源于伦敦。在英国“装饰风格”的影响下,15世纪早期,法国出现了哥特式史上最后一个风格类型——火焰式。该建筑风格得名于建筑物墙面、尖塔和门廊(尤其是门廊)部位那种“闪烁摇曳”和火焰状的曲线装饰。从辐射式到火焰式,随着教堂建筑在装饰上日趋繁琐、堆砌,哥特式建筑样式终于无可挽回地失去了它早年的理性色彩。结构与装饰彻底分离了,事实上,建筑物的结构要素逐渐消失在装饰要素下面。哥特式建筑样式就这样跨越了它自身的逻辑规定。

拉恩大教堂对高度的征服。

拉恩大教堂是早期哥特式建筑的优秀实例。它始建于1155年,但建筑时间持续了半个世纪,直到13世纪初方告竣工。拉恩大教堂是与巴黎圣母院齐名的早期哥特式建筑的杰作。它有明显突出的交叉廊,除了西立面之外,交叉廊的南北两个立面分别建有双塔,中厅和侧廊的交叉部位也有巨大的采光塔。1220年完成包括双塔在内的西立面,不久后又增建了原设计所没有的飞拱。在南北双塔上又把西侧的塔加高了,大约在1230年以前完成了中央工程。

巴黎圣母院:飞翔的翅膀

圣丹尼斯教堂的建筑很快影响到周围的教堂,巴黎圣母院就是在它的直接影响下完成的,巴黎圣母院建于1163年,是早期哥特式最宏伟的典范。巴黎圣母院的不同凡响之处是它巨大的规模和它的设计的优美均匀,以及新的飞拱的采用。

哥特式的巅峰之作

13世纪是哥特式建筑的成熟时期。随着对高度的征服,建筑师获得了透彻的工程学方面的专业知识,他们琢磨了建筑的比例,给与建筑物更高大的外形,更和谐完美的结构,更宏伟庄严的空间效果。

从技术角度上讲,哥特式结构体系的出现标志着西方建筑史的一次重大飞跃;就美学特征而言,哥特式建筑轻盈剔透、欲飞欲动,垂直方向的线条统领着所有的细节。

有的学者把哥特式风格称为石块组成的经院哲学。德国美学家沃林格认为,哥特式大教堂结构中的纯机械力的运动展现了基督教神学精神向抽象物上的移情功能,在哥特式教堂内,我们会感到一种不断增强和不断上升的、不安的、未获解救的努力,把自身不和谐的心理推向了一种极度的迷狂、一种骚乱的升腾。哥特式建筑成功地将基督教的精神与建筑结构技术的探索结合起来,在建筑高度、垂直空间和框架结构的强度等方面都达到了一个新的高度,构成了世界史上辉煌的篇章。

艺术的价值,在于打碎现实日常生活的单调、枯燥和沉闷,是逃脱现实世界最好的方法之一。当然它也是我们同人生世界发生紧密联系最有效的方式之一,哥特式艺术处于开放的文化关系中,深深根植与社会社会历史与文化中…

其实我们每个人都可以艺术地甚或在这个世界上,随时随地见出世界的诗意结构。

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